ХРОНИКА РАЗВИТИЯ АНИМАЦИОННЫХ ТЕХНОЛОГИЙ
Первоначальный вариант этой хроники был опубликован польским журналом "Квартальник фильмовы" в специальном номере, посвященном анимации (№. 19-20 / Zimа1997-Wiosnа 1998). Наши украинские коллеги из журнала "Kiно-коло", взяв польский вариант за основу, дополнили его и опубликовали в № 7 (осень - зима) за 2000 год. Мы, в свою очередь, воспользовавшись польским и украинским вариантами, также внесли в эту хронику свои дополнения и уточнения. При этом следует принять во внимание, что это не летопись творческих достижений мировой анимации (в таком случае она заняла бы весь наш номер), а лишь беглый обзор технологической эволюции анимационного кинематографа.
Редакция "Киноведческих записок"

ПРЕДИСТОРИЯ
70-е годы до Рождества Христова
Римский поэт и философ Лукреций в трактате "О природе вещей" описал приспособление для высвечивания на экране движущихся рисунков.
Х-ХI вв.
Первые упоминания о китайском театре теней - типе зрелища, визуально близком будущему анимационному фильму.
XV в.
Появились книжки с рисунками, воспроизводившими различные фазы движения человеческой фигуры. Свернутые в рулон, а затем мгновенно разворачивавшиеся, эти книжки создавали иллюзию оживших рисунков.

Середина XVII в.
Атанасиус Киршер изобрел волшебный фонарь (Laterna magiса) - прибор, который высвечивал изображение на прозрачном стекле. С XVII века в бродячих театрах по всей Европе проводились такие представления.

ПЕРВЫЕ ИЗОБРЕТЕНИЯ
На протяжении XIX века шли интенсивные поиски выражения оптической иллюзии движения. Словно грибы после дождя, появлялись все более и более сложные приборы и игрушки, которые должны были достичь этой цели. Вот те из них, которые достойны внимания.
1831
Фенакистоскоп (а в последствии - фантоскоп) бельгийского физика Иозефа Антуана Плато (1801-1883) состоял из двух дисков, вращавшихся на одной оси. Через отверстия в первом из них просматривались рисунки на втором.
1832
Тот же принцип был положен венским профессором Симоном фон Штампефером в основу стробоскопа. Эффект видимого движения при смене неподвижных Изображений, сделанных на внутреннем диске, стал называться стробоскопическим эффектом.
1834
Зоотроп, в котором, подобно стробоскопу, двигались наклеенные на ленту рисунки, был сконструирован англичанином Уильямом Джорджем Хорнером. Впрочем, в оригинале аппарат Хорнера назывался "дедалеум" (в честь Дедала, который, по преданию, создал движущиеся картины людей и животных), и лишь последующие варианты этого аппарата (в частности, аппарат, который сконструировал в 1860 году француз Дезвинь, и аналогичный аппарат американца Уильяма Е. Линкольна) закрепили за всеми подобными устройствами название "зоотропа".
1853
Австриец барон фон Ухациус, сконструировав стробоскоп, в котором изображения помещались на стеклянном диске и освещались масляной лампой, впервые Спроецировал их на экран.
1861
Кинематоскоп американца Колмана Селлерса представлял серию наклеенных На барабан фотографий, сменявших друг друга перед глазами зрителя.
1877
Праксиноскоп - приспособление для рассматривания рисунков, нанесенных на бумажную ленту, прикрепленную к вращающемуся барабану. Изображение отражалось в зеркальце. Через два года конструктор этого прибора, француз Эмиль Рейно, усовершенствовал его так, чтобы изображение можно было проецировать на экран.
1880
Зоотроп Эдуарда Мэйбриджа высвечивал на экране "фотографии животных в движении".
1885
Мутоскоп Германа Кастлера - прибор с барабаном, в котором помещалась тысяча (и больше) рисунков. Зрители садились вокруг барабана и рассматривали рисунки через специальные очки.
До момента первой публичной проекции фильмов братьями Люмьер (1895), да и после этого, появилось очень много подобных приборов. Среди их конструкторов были Рейландер, Угатиус, Гудвин, Ньепс, Дагерр, Скотт Арчер, Эдисон. К провозвестникам анимации можно с уверенностью отнести Жоржа Мельеса. Он запатентовал ряд кинематографических приборов, которые позволяли делать задержки, замедления, ускорения, накладывание изображений одно на другое.
Тем временем - главным образом в американской и французской печатной периодике - быстро развиваются жанры сатирической иллюстрации и комикса. Имен но они стали неиссякаемым источником - и тематическим, и пластическим - для анимации.

ПИОНЕРСКИЙ ПЕРИОД АНИМАЦИИ
1888
Рейно усовершенствовал свой праксиноскоп, перенес рисунки на целлулоидную ленту (35 мм) и высветил ее на большом экране в кругу своих родных и друзей. Именно эту дату считают теперь годом рождения анимационного кино. С 1892 года Рейно устраивает специальные показы в музее Гревен и дает им название "Оптический театр". Таким образом, Эмиль Рейно считается отцом анимационного кино. Его ленту "Вокруг кабины" ("Аutor d'une cabinе", 1894), в которой присутствует настоящий, с элементами юмора, сюжет (он разворачивается на морском пляже), французский историк кино Жорж Садуль назвал ключевым моментом в развитии анимационного кинематографа. В 1910 году Рейно, подавленный постигшими его затем неудачами, утопил все оборудование и свои фильмы в Сене. В 1916 году он умер в приюте для бедняков.
1896
Эдисон снял своим кинетографом процесс рисования эскизов Джоном Стюартом Блэктоном, иллюстратором "Нью-Йорк Уорлд", результатом чего стала лента "Блэктон, карикатурист вечерних мировых новостей" ("Вlackton, the Evening World Cartoonist"

Американец Блэктон - один из пионеров кинематографа, изобретатель многих приборов и различных способов съемки (между прочим, и знаменитого "американского плана"), умер в нищете в 1941 году.

1898
Джон Стюарт Блэктон и Альберт Э. Смит сняли первый кукольный фильм "Цирк лилипутов" ("Тhe Humptu Dumptu Circus"). Они использовали деревянные игрушки, а также эффект иллюзии движения, обнаруженный ими случайно во время работы над трюковым фильмом, когда на короткое время они выключали камеру, что бы заменить объект съемки.
1899
Брайан Артур Мельбурн Купер снял фильм "Спички: Призыв" ("Маtches: An Appeal"), в котором действуют одушевленные спички (фильм призывал помочь солдатам, сражавшимся в Англо-бурской войне). В 1907 году Купер снял анимационный эпизод, в котором задействовал плюшевых медвежат ("Тhe Teddy Bears").
1905
Испанский оператор Сегундо де Шомон, работавший в барселонской мастерской фирмы Пате, приспособил камеру для покадровой съемки, чтобы снять анимационный фильм "Электрический отель" ("Еl Hotel Electricо"), в котором передвигались неодушевленные предметы. Он также изобрел прием "живых надписей". Беспорядочно разбросанные в кадре буквы сами складывались на глазах зрителей в различные надписи.
Подобные начинания почти одновременно были подхвачены в Соединенных Штатах и Франции.
1906
Джон Стюарт Блэктон и Альберт Э. Смит, основатели кинематографического объединения "Витаграф", сделали серию анимационных фильмов "Комические фазы смешных лиц" ("Нumorous Phases of Funny Faces"").
Вальтер Р. Бут снимает фильм "Рука художника" ("Тhe Hand of the Artist") о том, как из-под руки рисовальщика появляется картина и как она "оживает".
1908
Француз Эмиль Коль (настоящая фамилия - Куртэ), зачинатель графической мультипликации, показал свой первый анимационный фильм "Фантасмагория, или Кошмар фантоша" ("Fantasmagorie"). Французские историки считают его первым мастером в области анимации, поскольку именно он "вдохнул жизнь в рисованные фигуры", которых называл "фантошами" (от французского fantochе, которое, в свою очередь, восходит к итальянскому fantoccio кукла, марионетка). По профессии Коль был карикатуристом. Свои фильмы рисовал сам - кадр за кадром, на листках белого картона - и снимал их по очереди. За два года он сделал для компании "Гомон" более тридцати анимационных фильмов. Потом уехал в Соединенные Штаты. Именно ему анимация обязана такими нововведениями, как соединение игрового (актерского) фильма с рисованным - "Сияние испанской луны" ("Сlaire de Lune espagnol", 1909) - и кукольными фильмами. Он обладал богатым воображением и высоким профессионализмом, был создателем многочисленных серий анимационных фильмов в Америке, ас 1914 г. - во Франции. В конце жизни Эмиль Коль оказался в приюте для бедняков, а в 1937 г. умер от ожеговых ран. Почти все его работы утрачены.

Итальянец Арнальдо Джина создал первый абстракционистский анимационный фильм, нарисованный прямо на киноленте. Джина вдохновлялся живописью (Сегантини), музыкой (Мендельсон) и поэзией (Малларме).
1911
Премьера фильма "Маленький Немо" ("Little Nemo"), в котором Уиндзор Мак-Кей ("Гриффит комикса", как его иногда называют), работавший для газеты "Нью-Йорк Геральд", использовал свой опыт рисовальщика комиксов и достиг высокого уровня в технике анимации. Этот фильм, для которого было сделано 4000 рисунков и для большего эффекта раскрашены от руки 35-миллиметровые кадры, наследовал знаковую систему комикса - персонажи кричали в традиционных для комикса "пузырях": "Смотри, мы двигаемся!". Его третий фильм "Динозавр Джерти" ("Gertiе the Dinosaur") был показан 8 февраля 1914 года в чикагском "Палас-театре" для огромной аудитории. А "Потопление Лузитании" (1918) предвосхитило все то, что осуществило анимационное кино в последующие три десятилетия.

Динозавр Джерти
В России Владислав Старевич, родоначальник объемной мультипликации, начинает в фирме Ханжонкова работу над первым объемно-мультипликационным фильмом "Развитие головастика", осуществляя в воде покадровую съемку живых головастиков. Этот год можно считать годом рождения русской анимации.
1912
Открытие первой студии кукольных фильмов в России.
Премьера анимационного фильма Старевича "Прекрасная Люканида, или Война рогачей и усачей", в котором в качестве персонажей он использовал препарированных насекомых, добившись необыкновенной правдоподобности их движений. В тот же год выходит лента "Месть кинематографического оператора", в которой также действуют "очеловеченные" насекомые. Два года спустя в Санкт-Петербурге состоялась премьера его фильма "Стрекоза и муравей". Возможно, Старевич был первым, кто совместил графическую мультипликацию с натурным изображением в фильме "Ночь перед Рождеством" (1913) с Иваном Мозжухиным в главной роли, а в 1914 году он снял сюжетный графический мультфильм "Петух и Пегас" - юмористическую сценку, рисовавшую борьбу двух основных конкурентов на русском кинематографическом рынке: Ханжонкова ( фабричная марка Пегас) и Патэ (галльский петух). В 1919 году Старевич эмигрировал во Францию и там работал над кукольными анимационными фильмами. С 1923 по 1950 год он сделал более двадцати таких фильмов. Наиболее значительные из них - "Голос соловья" ("La voix du rossignol", 1923) и "Роман о Лисе"/"Рейнеке-лис" ("Roman du Renard", 1930-1938) по средневековому французскому эпосу ХII-ХIII веков и стихотворной сказке Гёте.
1913
Кот Феликс
Американец Джон Рэндольф Брэй в фильме "Сон художника" ("Тhe Artist's Dream") впервые применил упрощенную анимационную технологию: на статичный, неизменный рисунок накладывались клише с меняющимися, подвижными элементами. Это был первый шаг по направлению к механизации аниматорского труда. В 1914 году Брэй начал серию "Полковник Враль" ("Сolonel Heeza Liar"), в которой впервые появился постоянный персонаж с определенными внешними особенностями и чертами характера. Впоследствии Джон Р. Брэй запатентовал все известные к тому времени виды анимационной техники, подписал контракт с фирмами "Парамаунт" и "Голдин", создал студийную систему производства анимационных фильмов. С 1915 года объсдинение "Вray-Наrd Рrocess Соmpany" выпустило знаменитые серии: "Безумный Кит", "Джерри на работе" ("Сrazy Cat", "Jerry on the Job>>); все они имели один источник - печатавшиеся в прессе рисованные истории.
В это же время были начаты серии с постоянными персонажами: "Кот Феликс" ("Felix the Cat", Отто Месмер) и "Коко-клоун" ("Коко the Clown"), которая в 1921 году превратилась в серию "Из чернильницы" ("Оut of the Inkwell", Макс и Дэйв Флейшер). Эта последняя серия неизменно начиналась с эпизода "живой руки художника", которая извлекала из чернильницы Коко, получившего небывалую популярность. Рисованные эпизоды здесь чередовались с игровыми. Австрийцы по происхождению, братья Флейшер были блестящими карикатуристами. Они работали для студии "Парамаунт", где и создали двух очень популярных персонажей - пучеглазого морячка Попая и девочку-вамп Бетти Буп. 6 декабря 1915 года братья запатентовали ротоскоп - прибор, позволявший аниматорам раскладывать на фазы движения реальных людей из демонстрированного фильма; это были поиски большего анимационного правдоподобия. Братья делали также просветительские фильмы (например, четырехчастный фильм с анимационными эпизодами о теории вероятности Эйнштейна, 1921). Долгое время они конкурировали с Уолтом Диснеем, хотя их фильмы всегда были адресованы более взрослой аудитории, чем та, к которой обращался Дисней. В 1941-1943 годах Флейшеры перенесли на экран приключения Супермена из комикса Сигела Шустера.

НАЧАЛО ЭПОХИ "ЗВЕЗД" В АНИМАЦИОННОМ КИНО
1916
Примерно в это время начала формироваться система производства и распространения анимационных фильмов, которая опиралась на четкое функциональное разделение труда. Индивидуальное, ручное творчество не исчезло окончательно, но возросшие требования потребителей анимационных фильмов привели к созданию финансово и технологически оснащенных организаций, а также штата профессионально подготовленных работников.
Сегундо де Шомон и итальянец Джованни Пастроне снимают фильм, в котором соединяют актерские и кукольные эпизоды,-"Война и сон Мони" ("La Guerra e il sogno di Moni").
1917
Премьера первого полнометражного художественного анимационного фильма
"Еl Apostol" режиссера из Аргентины Квирини Кристиани.
1918
В Соединенных Штатах появляются первые просветительские и инструктивные фильмы.
1920
В развитие авангардной анимации вносят свой вклад дадаисты. Они делают монтаж из фотографий, трактуемых ими как "готовые вещи" (ready made), а также из материалов, вырезанных из газет и иллюстрированных журналов.
Разрабатывается множество технических усовершенствований для спецэффектов.
1921
В Берлине состоялась премьера абстракционистского анимационного фильма Вальтера Рутмана "Игра света. Опус 1" ("Lichtspiel/ Opus 1"). Цветные, вручную раскрашенные эпизоды сопровождались "живой музыкой". В следующем году Рутман продолжил работу над серией "Опус" ("Опус 22", "Опус 23"). Годом позже Рутман сделает анимационный эпизод "Сон о соколах" для "Нибелунгов" Фрица Ланга.
Ганс Рихтер создает абстрактный мультипликационный этюд "Ритм 21", за которым следуют, соответственно годам, "Ритм 22" и "Ритм 23".
В Канзас-сити Уолт Дисней дебютирует в качестве автора анимационных фильмов совместно с Юбом Айверксом и группой начинающих аниматоров. Они делают на заказ короткие фильмы, так называемые "Смехограммы" ("Laugh-grams"), которые демонстрируются перед игровыми картинами.
1923
Во Франции Ман Рэй показывает фильм "Возвращение к разуму" ("Retour a Raison"), в котором была применена техника рэйограмов. Она заключалась в подсвечивании кинопленки, на которой раскладывались различные предметы. Некоторые фрагменты фильма были сделаны без использования камеры.
Дисней переехал в Лос-Анджелес, где вместе с братом основал киностудию. С помощью старых сотрудников он делает серию про Алису в стране анимации, в которой анимационные фрагменты сочетались с актерскими эпизодами.
1924
Премьера фильма Фернана Леже "Механический балет", в котором соединялись фотофрагменты, рисунки, нанесенные на ленту, классическая анимация (например, кубистическая фигура Чаплина или танец ног) и спецэффекты.
В Советском Союзе режиссеры-мультипликаторы А.Бушкин и А.Иванов вместе с оператором И.Беляковым сняли (под руководством Д.Вертова) анимационные фильмы "Советские игрушки" и "Юморески", с которых начинается советский период отечественной анимации.
Известными аниматорами этого периода были Николай Ходатаев, Зенон Комиссаренко, Юрий Меркулов. Они организовали в стенах Государственного техникума кинематографии (ГТК) первую в стране экспериментальную мастерскую по мультипликации. Увлеченные идеей "динамической графики", они предлагали Якову Протазанову ввести в фильм "Аэлита" анимационные эпизоды. Протазанов не рискнул этого сделать, и художники создали собственный научно-фантастический мультфильм по готовым "марсианским" эскизам ("Межпланетная революция", 1925). Вскоре к этой группе художников примкнули молодые режиссеры: Иван Иванов-Вано, Владимир Сутеев, сестры Валентина и Зинаида Брумберг.
Викинг Эггелинг (шведский художник-абстракционист, живший в Германии) показывает знаменитую "Диагональную симфонию", в которой оживают геометрические фигуры, сочетающиеся с ритмом.
Премьера фильма "Скамейка под цветущей вишней" японца Нобуро Офуджи. Его творчество питали китайский театр теней и японские народные сказки и легенды.
Фишер в фильме "Поехали вместе в моем самолете" ("Come Таlсе а Тrip in My Airship") осуществил первые пробы в звуковом кино по системе Lee De Forest's Phonofilm.
1926
Лотта Райнигер (при участии ее мужа Карла Коха, а также Вальтера Рутмана и Бертольда Бартоша) сняла на студии УФА в Германии полнометражный анимационный фильм "Приключения принца Ахмеда", использовав вырезанные из бумаги силуэты. Так же, как Офуджи, она обратились к китайскому театру теней. В той же технике сделаны ее последующие фильмы: "Папагено" (1935), "Сераль" и другие, а также серия фильмов с постоянным героем-доктором Дулиттлом: "Доктор Дулиттл и его звери" (1928), "Приключения Доктора Дулиттла" и "Лев" (1930). Ее уникальному опыту были посвящены документальные ленты: "Рождение силуэтного фильма" (1953, озвучена и выпущена в 1971 году), "Движущиеся образы" и "Теневой фильм" (оба - в 1975 году, с участием и комментариями самой Лотты Райнигер).

На студии Уолта Диснея созданы первые фильмы с кроликом Освальдом. Однако Дисней вскоре потерял права на этого персонажа по причине неудачно составленного контракта. Тем не менее на протяжении нескольких десятилетий Дисней будет некоронованным королем анимации. Его студия сыграла ключевую роль в решении многих проблем: в разработке характера героя анимационного фильма, в организации производства, технических нововведений - прежде всего в области цвета и звука - и, наконец, в дистрибуции анимационных фильмов, их рекламы и рыночного использования популярности фильмов посредством торговли разными мелочами, журналами, книжками и музыкальными записями, имевшими прямое отношение к фильмам.

ЗОЛОТАЯ ЭРА АНИМАЦИИ - ЗВУК И ЦВЕТ
1928
Рождение Мышонка Микки-Микки Мауса, самого популярного рисованного Персонажа в истории анимационного кино. Третий фильм этой серии, "Пароходик Вилли" ("Steamboat Willie", 1928) - первая сохранившаяся звуковая лента.
Через год Уолт Дисней снял "Танец скелетов" ("Skeleton Dancе"), первый из серии "Забавные симфонии", где задуманный синтез музыки и изображения, разработанный Чарлзом Столлингом, приобрел реальные черты. Это начинание позднее было развито в их "Фантазии" (1940).
Одним из "столпов" киностудии Диснея на первом этапе ее развития был Юб Айверкс. Это ему, одаренному исключительной фантазией и талантом художнику, приписывают разработку пластической концепции Освальда и Микки-Мауса. Позднее, работая самостоятельно, Айверкс создал персонажи Лягушонка Флипа и Вил-ли Вупера. Когда в 1940 году он возвратился в фирму "Уолт Дисней Продакшн", то разрабатывал главным образом спецэффекты. Айверкс инициировал множество изобретений: использование в анимации ксерографии, трехкамерной системы для синерамы и др. Он умер в 1971 году.
В конце 20-х годов американские мультипликаторы заменили метод перекладки рисунками фаз, исполненных на прозрачных листах целлулоида и накладываемых на непрозрачный фон. С этого времени "целлулоидная" технология стала преобладать в мировой мультипликации.
1930
В Китае осуществляется постановка первого анимационного фильма "Танец верблюдов" (режиссеры - братья Ванг).
В Ленинградском научно-исследовательском кинофотоинституте создается "лаборатория мультзвука", где группа энтузиастов под руководством музыканта-теоретика и математика Арсения Авраамова разрабатывает собственную концепцию "рисованного звука".
Дюла Мачкашши, пионер венгерской анимации, и его соотечественник Джон Халас (впоследствии покинувший Венгрию и ставший крупнейшим мастером мировой
анимации) основали студию по производству анимационных и рекламных фильмов
1931
В Аргентине Кристиани поставил первый полнометражный анимационный звуковой фильм "Рeludopolis".
1932
Премьера первого цветного анимационного фильма "Цветы и деревья" ("Flowers and Trees") продукции Диснея.
1933
Шотландец Норман Мак-Ларен начал экспериментировать в области абстрактного фильма без использования камеры. Сначала он и его Друг Стюарт Макалистер смывали эмульсию со старой бракованной кинокопии и получали прозрачную целлулоидную ленту, на которой, не придерживаясь покадрового разделения, рисовали изображение. Это были преимущественно геометрические фигуры: линии, кружочки, треугольники или точки. Фигуры размещались одна под другой. В качестве материала использовались цветная прозрачная мастика, черная китайская тушь и разнообразная цветная тинктура. Проекция давала блестящий результат. На экране танцевали абстрактные линии и пятна. Затем Мак-Ларен начал экспериментировать с "рисованием" звука на звуковой дорожке. Об особенностях этой технологии Мак-Ларен узнал из описаний "рисованного звука" в изданной в СССР книге "Мультипликационный фильм" (1936), которую он изучал и переводил.
Мак-Ларен принадлежит к числу виднейших и самых упорных новаторов в анимации. Но все его формальные поиски были подчинены одной идее - найти путь к преодолению барьера между рисованием как искусством и анимационным фильмом. Кроме абстрактных фильмов: "Камера танцует" ("Саmera Makes Whoopee", 1935), "Звезды и полосы" ("Stars and Stripes", 1939), "Точки и кольца" ("Dots and Loops", 1939) - он снимает документальное кино. В антифашистской ленте "Безграничный ад" он соединяет документальные кадры с анимационными.
В 1941 году известный английский режиссер-документалист Джон Грирсон приглашает Мак-Ларена на работу в Канадское Национальное управление кинематографии (National Film Board), где Мак-Ларен создает отделение анимации и делает ряд фильмов бескамерным методом. В первые послевоенные годы он экспериментирует с техникой, позволяющей постепенно менять формы и цветовую гамму своих рисунков, для чего конструирует специальный стол с тремя сменными плоскостями (он называет этот метод системой "фундус"). В 1946 году в фильме "Там, высоко в горах" Мак-Ларен впервые обращается к технике пастели, а уже в 1947-м достигает поразительного совершенства в работе с этой техникой (фильм "Серая курочка" на музыку колыбельной песни). За фильм на темы джазовых композиций Оскара Питерсона "Прочь, нудные заботы" (1949), сделанный методом рисования на ленте, Мак-Ларен получает Гран-при в Венеции (1950) и золотую медаль в Берлине (1951), за фильм "Мерцающая пустота" - Гран-при в Канне (1955). Фильм "Соседи" (1952) удостоен "Оскара". В фильме "Ритмика" (1956) у него действуют трехмерные пространственные фигуры, в знаменитой "Сказочной истории со стулом" (1957) снимается реальный актер, который сосуществует с анимационным стулом. Мак-Ларен, создавший много ярких авторских фильмов, удостоен всевозможных международных наград, он активно участвовал в руководстве канадским кинематографом, работал в ЮНЕСКО, воспитал много достойных аниматоров. Умер в 1987 году.
Во Франции Александр Алексеев в фильме "Ночь на Лысой горе" на музыку М.Мусоргского впервые применил свое изобретение - игольчатый экран. Это плоскость, покрытая сотнями тысяч дырочек, из которых высовываются или в которые втыкаются металлические стерженьки в разнообразных конфигурациях. С их помощью можно, используя игру света и тени, создавать сложные художественные композиции, производящие впечатление ожившей гравюры. В его первом игольчатом экране, созданном им совместно с будущей женой Клер Паркер, было 500000 иголок. Во втором экране, сделанном ими для фильма "Мимоходом" (1943) в Канаде, где они работали с 1940 года по приглашению Национального управления кинематографии, - в два раза больше. Театральный художник-декоратор и книжный иллюстратор, Алексеев стремился в анимации передать нечеткие, изменчивые формы, призрачность и полутона, он хотел достичь здесь такой силы художественного воздействия, которая сравнима с воздействием традиционных искусств: живописи, музыки, скульптуры, поэзии. В 1951 году Алексеев и Паркер разрабатывают другую новаторскую технику анимации: так называемую "тотализацию". Суть ее состояла в том, чтобы вместо покадрового фиксирования неподвижного предмета точно так же - кадр за кадром - фиксировать движущиеся предметы, соединенные при помощи сложной системы маятников. Таким способом был сделан фильм "Дымы", удостоенный приза в Венеции (1952). На протяжении 40-х годов, используя собственные методики, они создали несколько авторских фильмов, рекламные ролики, заставки (в частности, заставку к "Процессу" Орсона Уэллса, по роману Кафки, 1962). Умер Алексеев в 1982 году. В 1973 году канадский мультипликатор Норман Мак-Ларен посвятил ему 39-минутный фильм "Игольчатый экран" ("Рincsreen").
Дисней снимает "Трех поросят" (песенка из этого фильма стала мировым шлягером) и получает "Оскара" за "Цветы и деревья".
1934
В СССР выходит фильм "Органчик", созданный Н. Ходатаевым при участии Г.Ечеистова и Д.Черкеса по мотивам "Повести о городе Глупове и его обитателях" и "Помпадуров и помпадурш" Салтыкова-Щедрина). Это последний из советских рисованных фильмов, сделанных в технике плоской марионетки.
При Главном управлении кинематографии создана экспериментальная студия,
в задачи которой входило выпускать фильмы по методу поточной технологии мультипликационного производства, как это было у Диснея и Флейшера.
1935
Выходит фильм Александра Птушко "Новый Гулливер", в котором куклы совмещаются с актерами.
Оскар Фишингер закончил абстрактную "Композицию в голубом" ("Кomposition in Blau"), в которой соединил цвет, музыку и изображение. Один из пионеров авангардной анимации, он вынужден скрываться от гитлеровского режима и сначала живет в Швейцарии, а затем эмигрирует в Соединенные Штаты. Он является автором анимационной разработки баховских секвенций для диснеевской "Фантазии". Однако этот эпизод не вошел в окончательную редакцию фильма.
Текс Эйвери, которого называли "Диснеем, прочитавшим Кафку", начинает работать на студии "Уорнер Бразерс". Его персонажи не очень оригинальны по форме, зато наделены необыкновенно тонким чувством юмора. Наибольшую популярность приобрел пес Друпи.
Лен Лай закончил "Цветной сундук" ("Соlour Boх"), который некоторые специалисты считали первым фильмом, нарисованным прямо на целлулоиде.
1936
В СССР создана студия "Союздетмупьтфильм" (впоследствии "Союзмупьтфильм"), оснащенная техникой целлулоидной мультипликации и практически повторившая структуру диснеевского производства. Импортная технология, приложенная к традициям русской культуры, обещала небывалый взлет советской анимации.
1937
Дисней в фильме "Старая мельница" ("Тhe Old Mill") впервые применяет ка-меру, позволявшую получать глубинную перспективу. В этом же году Дисней выпустил на экраны свой первый полнометражный анимационный фильм - "Белоснежка и семь гномов".
1940
На студии "Метро-Голдвин-Майер" начинают производство серии "Том и Джер-ри". Следующие 17 лет над ней работают аниматоры Джозеф Барбера и Уильям Ханна.
1941
Состоялась премьера "Фантазии" Диснея-фильма, в котором впервые была использована звуковая аппаратура Fantasound, позволявшая получать стереофони-ческий звук.
В США по заказу правительства начали выпускать пропагандистские антивоенные и инструктивные фильмы для армии. Во время войны студия Диснея активно поддерживает эту инициативу.
1943
Начиная с этого года, Ханна и Барбера получают шесть "Оскаров" в области анимации за "Тома и Джерри". Дисней также удостаивается "Оскара" за "Забавные симфонии".
Во Франции - премьера анимационного цветного фильма Поля Гримо "Чучело" ("L'Epouvantail"). Гримо, художник по образованию, один из выдающихся французских аниматоров, был прежде всего автором рекламных фильмов, которые делались почти кустарным способом. Но он создал также первый французский полнометражный анимационный фильм "Пастушка и трубочист". Над этой лентой работал Жак Превер, персонажей озвучивали ведущие французские актеры, а музыку сочинил Жозеф Косма. В 1951 году Гримо основал собственную студию. Он был наставником многих известных французских аниматоров (Жак Леру, Мануэль Отеро, Жан Лабели и др.).
1943-1944
Джеймс и Джон Уитни сняли абстрактные музыкально-художественные анимационные этюды ("Film Exercisesв" - от 1 до 5). В последующие годы они работали независимо друг от друга. Но продолжали технические эксперименты. В своих работах Джон применял дифракцию света, пропуская его через слой растительного масла. Звуковую дорожку заполняла электронная композиция - "Сельдерей шагает в полночь" ("Сеlery Stalks at Midnigth", 1951). С 1961 года он использует компьютер-"Саtaloque Pemutation" (1970), "Маtrix" (1971). Джеймс снял "Yantreе" (1950-1951), который представлял собою реестр абстрактных форм, источником которых был пульсирующий свет.
1945
В Чехословакии Иржи Трнка дебютировал рисованным фильмом "Посадил дед репку". До этого он иллюстрировал детские сказки. Заинтересовавшись и увлекшись кукольным театром Метерлинка, он создал свой собственный, но вскоре разорился. После серии рисованных фильмов Трнка начал работать в кукольной анимации. Его работы отмечены изысканностью формы и богатством цвета. Жорж Садуль писал, что они стали реализацией мечтаний чешских скульпторов, связанных с возможностью сделать скульптуру подвижной. Среди этих работ - "Соловей императора" по Г.-Х. Андерсену (1948), "Старинные чешские сказания" (1953), "Приключения бравого солдата Швейка" (1954), "Сон в летнюю ночь" по Шекспиру (1959, приз в Канне). Трнка умер в 1969 году.
Другой значительной фигурой в чехословацком кукольном кино был Карел Земан, дебютировавший в 1945 году фильмом "Рождественский сон". Для воплощения своих замыслов он сочетал технику кукольного и рисованного кино. Его любимым персонажем был Пан Прокоук ("Пан Прокоук-бюрократ", "Пан Прокоук в искушении", "Пан Прокоук-изобретатель", 1947-1949). Чехословацкая анимационная школа приобрела мировую известность.
В США создается студия "Юнайтед Продакшн оф Америка" (ЮПА) во главе со Стивеном Босустовым. Ее создание было реакцией на стиль фильмов и стиль производства Диснея, а за громким названием новой кинокомпании стояла довольно-таки интересная история ее появления на свет. В 1941 году на киностудии Диснея вспыхнула забастовка творческих работников, потребовавших признания своих авторских прав (единственный титр в фильмах Диснея гпласил: "Продукция Уолта Диснея"). Забастовка привела даже к вмешательству правительства. Требования забастовщиков были удовлетворены, однако группа ведущих художников все-таки ушла от Диснея. Среди них был и Стивен Босустов. Четыре года он делал коротенькие учебно-образовательные и инструктивные фильмы по заказу военно-промышленных корпораций, а затем на незначительные средства от этих фильмов создал собственную компанию с небольшим количеством работников. Многих талантливых художников привлекла действительно творческая атмосфера студии и возможность воплощать собственные идеи. На студии последовательно разрабатывалась новая - по сравнению с диснеевской - эстетика анимации, базировавшаяся на другом понимании условной природы искусства. Отказ от естественных форм движения, замена их на гротесковые, шаржированные, другая культура рисунка, основанная на традициях карикатуры, упрощение цветовой гаммы (преимущественное использование, двух-трех чистых цветов) - все это усиливало выразительность персонажей. Босустову принадлежала идея создания нового персонажа - близорукого, комично-рассеянного мистера Маги (1949). Этот персонаж очень скоро стал популярным героем большой серии. Коммерческий успех позволил Босустову расширить производство-в середине 50-х были открыты филиалы в Нью-Йорке и Лондоне.

ЮПА (или: Ю-Пи-Эй) сыграла большую роль в развитии нового анимационного язы-ка. Сотрудничество с ней дало толчок к плодотворной самостоятельной работе многим мэтрам современной анимации.
1946
При финансовой поддержке Музея искусств Сан-Франциско был организован Фестиваль искусств кино. На нем демонстрировались наиболее интересные авангардистские фильмы, а также прошла ретроспектива Оскара Фишингера.
1947
В Америке средством распространения и популяризации анимационного кино все активнее становится телевидение. Первым телевизионным анимационным сериалом стал "Кролик-крестоносец" ("Сrusader Rabbit") Алекса Андерсона и Джея Барда. Анимация все чаще используется в телевизионной рекламе.
1950
В Массачусетсом Технологическом институте проводятся первые эксперименты с компьютерно генерированным изображением.
Оскар Фишингер изобрел лумиграф-прибор для получения световых спецэффектов.
1952
В США Бен П. Лаповський использовал аналоговый калькулятор и катодный осциллограф для создания своих "Электронных абстракций".
1953
В СССР в рамках киностудии "Союзмультфильм" создается творческое объединение кукольных фильмов - отечественная объемная мультипликация получила импульс для дальнейшего развития.
1954
В Великобритании режиссер Джон Халас снял фильм "Звероферма" по мотивам романа Дж. Оруэлла.
1955
Постановка первого канадского полнометражного анимационного фильма "Очарованное село" ("Le Village Enchantе") режиссеров М. и Р. Расико.
Торжественно открыт "Диснейленд" - парк аттракционов и развлечений, воссоздающий атмосферу диснеевского кино.
1956
Создается студия анимационных фильмов в Загребе (Д.Вукотич, А.Маркс, Б.Колар, З.Боурек, В.Мимица). Первым фильмом "Загребской школы" стал короткометраж-ный "Веселый робот" ("Nestasni Robot", 1956, реж. Душан Вукотич). Затем выходят "Ковбой Джимми" Вукотича и Мимицы (1957) и "Суррогат" Вукотича (1961). Они несут в себе черты стиля "упрощенной анимации", авангардности в технике рисунка и графики, а в содержании - едкой иронии и экзистенциального отчаяния. После 1964 года часть художников студии перешла в игровое кино. Однако "Загребская школа" просуществовала до 80-х годов. Ее поздние фильмы имеют ярко выраженный "авторский" характер.
1957
После того, как в кинотеатрах была прекращена демонстрация короткометражных фильмов, Ханна и Барбера основали в Голливуде собственную киностудию, где благодаря максимально упрощенному процессу производства создавались относительно дешевые фильмы - главным образом для телевидения. В последующие годы студией было выпущено 12 популярных серий.
1958
Музей Гугенхейма поддерживает производство экспериментальных фильмов, которые противопоставляются лентам, снятым в студийной системе. Благодаря этой поддержке выходят "Магическая личность" ("Тhe Magic Feature") Гарри Смита, "Человек и его собака на свежем воздухе" ("A Man and his Dogout for Air") Лена Лая.
1959
В США вышел первый анимационный фильм с Чарли Брауном, героем комикса "Фисташки".
1960
ООН создает Международную ассоциацию анимационного фильма (АSIFА) с отделениями в Нью-Йорке, Лос-Анджелесе и на некоторых киностудиях.
На американском телевидении рождается серия "Флинтстоуны" ("Тhe Flinstones"), которая снималась до конца 70-х. Это был первый сериал для взрослых.
В производстве массовой продукции широко используются вырезанные фигуры, формы, склеенные из папье-маше или вылепленные из пластилина, готовые предметы (ready made), фотографии, коллажи, графика - то есть все то, чем раныше пользовались преимущественно в "авторских" фильмах. По сравнению с традиционной рисованной анимацией этот метод дает некоторую финансовую и временную экономию.
В августе во французском городе Анесси открылся Международный фестиваль анимационных фильмов, задача которого состояла в поддержке экспериментальных лент и новых анимационных технологий. В мире проводится несколько таких специализированных фестивалей - в Штуптарте, Хиросиме, Люцерне, Эдин-бурге, Упсале, Бомбее, Монреале, Нью-Йорке и в других городах мира.
1961
Премьера фильма Диснея "101 далматинец", в котором для тиражирования рисунков использовали ксерографию.

Впервые в анимационной категории "Оскаром" награждает-ся зарубежный фильм. Лауреатом стал Душан Вукотич с фильмом "Суррогат" ("Substitutе").
Ханна и Барбера выпускают на экраны телевизионную серию "Пес Гекльберри"; звездой в ней, кроме главного героя, становится медвежонок Йоги.
Уолт Дисней начинает телевизионный сериал "Мир цвета Уолта Диснея" ("Walt Disney's Colour World"), который живет по сей день.
В 1961 году Федор Хитрук, проработавший до того 25 лет
Суррогат как художник-мультипликатор, переходит в режиссуру. Создателя мультипликационной трилогии о Винни-Пухе и знаменитых лент "История одного преступления" (1961), "Каникулы Бонифация" (1965), "Человек в рамке" (1966), "Фильм, фильм, фильм!" .(1968), "Дарю тебе звезду" (1974, специальный приз жюри в Канне), антиутопии "Остров" (1973, Гран-при Каннского фестиваля) и др. по праву называют отцом современной российской анимации.
1962
В СССР выходит полнометражная кукольная экранизация пьесы Маяковского "Баня" (реж. Сергей Юткевич и Анатолий Каранович).
Стив Рассел создал "Звездную войну" ("Star War" ) - первую видеоигру.
Айвен Э.Сазерленд сконструировал "Sketchpand" - систему, которая позволяет манипулировать изображением прямо на экране монитора.
1963
В американской компании "Веll Telephone Labaratories" осуществлено производство первого компьютерного анимационного фильма (автор Э.Заяц). Идет быстрое развитие компьютерной графики, в которой помимо технических аспектов все большую роль начинают играть эстетические критерии. А первым аниматором, использовавшим компьютерную графику в плане чисто творческом, стал Петер Фёльдеш (венгр по происхождению), показавший в 1971 году на кинофестивале в Аннеси свой фильм "Меta data".
Киностудия Диснея применила систему "Аudio Anomatronics", которая привела в движение компьютерные модели человека и животного.
Электроника начинает играть все более значительную роль в кинопроизводстве. Электронные спецэффекты в анимации (видео, ампекс, сложные камеры для покадровой съемки, компьютерная графика).
1964
Вышел на экраны первый игровой фильм из серии "Розовая пантера" режиссе-ра Блейка Эдвардса. Автором анимационной заставки в этой ленте был Фриц Фриленг. Успех заставки оказался настолько громким, что "розовая пантера" начала жить своей собственной жизнью и стала героиней целой серии анимационных фильмов. Следует вспомнить, что анимационные заставки к игровым картинам уже имели свою многолетнюю традицию. Одним из известнейших специалистов в этой области был Сол Басе, делавший такого рода заставки для Альфреда Хичкока ("Голо-вокружение", 1958), Отто Преминджера ("Анатомия убийства", 1959), Майкла Андерсона ("80 дней вокруг света", 1957) и Стэнли Крамера ("Это безумный, безумный, безумный, безумный мир", 1963).
1965
В США и Германии состоялись многочисленные выставки и демонстрации компьютерной графики (все художники - Бела Юлеш, Михаэль Ноль, Георг Неэс, Фридер Наке - были инженерами). Всё чаще компьютерную графику используют при подготовке разных художественных проектов.
1966
Социально-сюрреалистическим фильмом о кругосветном путешествии чиновника "Жил-был Козявин" дебютирует в мультипликации Андрей Хржановский, впоследствии снявший известные притчи "Стеклянная гармоника" (1968), "Шкаф" (1971), осуществивший экранизацию рассказа Розы Хуснутдиновой "Бабочка" (1972), создавший фильмы по рисункам Пушкина ("Я к вам лечу воспоминаньем", 1977; "И с вами снова я...", 1980; "Осень", 1982) и др.

В Массачусетском Технологическом институте разработана система "Genesys", в которой для создания рисунков используется световая кисть. Подобные опыты с генерированием изображения проводятся при поддержке Канадского Национального исследовательского совета (National Research Соuncil).
Чарли Чури из университета штата Огайо при помощи компьютера IВМ-7094 впервые создает портрет человека (Sine Curve Man).
1967
Премьера фильма Валериана Боровчика "Театр господина и госпожи Кабаль" ("Le Theatre de M/ et Mme Kabal "), пропитанного атмосферой сюрреалистическиих ужасов. Боровчик также делал заставки для многих французских игровых фильмов.
На "Экспо-67" в Монреале состоялась демонстрация мультимедийного искусства и анимационных фильмов. В павильоне Чехословакии был показан киноавтомат - первое интерактивное кино, в котором использовался компьютер.
Фонд Рокфеллера основывает в Сан-Франциско Народный центр телевизионных экспериментов. С этого времени лавинообразно растет количество исследовательских центров, работающих на нужды кино, телевидения, образования и промышленности.
1968
Премьера фильма "2001: Космическая одиссея" Стенли Кубрика. Здесь впервые для получения спецэффектов в столь широком объеме используется электроника.

Премьера "Желтой подводной лодки" - сюрреалистического рассказа о группе "Битлз", иллюстрированного их музыкой. Стилистика этого фильма, над которым работали Хайнц Эдельман, Джордж Дин и Фреди Вольф, оказала огромное влияние на мировую моду и способствовала стандартизации определенных художественных вкусов.
1969
Нам Джун Пайк, Алан Капров, Отто Пиен заявляют о себе как о деятелях видеоарта. Организуют показ "Медиум-это медиум" (Medium is the Medium).
Объединение "Сomputer Imagе" представляет в Нью-Йорке SCANIМАТЕ - систему компьютерной анимации, которая позволяет вводить в компьютер и подвергать обработке оригинальные произведения искусства. Изображения можно было уменьшать, увеличивать, соеди-нять, переворачивать, свертывать и т.п.
Премьера "Улицы Сезам", образовательной программы для детей младшего возраста, в которой использовались различные виды анимационной техники.
Освальдо Кавандоли (в 40-х годах он сделал первый итальянский полнометражный анимационный фильм "Братья-динамит"/"I fratelli dinamitе") приступил к серии "Линия" ("La Lineа"). Ее герой - человечек, формируемый бесконечно длинной, нескончаемой горизонтальной линией. В рамках этой "своей" линии он существует и проходит через различные приключения. В финале на помощь ему приходит рука художника.
1971
Впервые была представлена система САЕSAR (Соmputer Animated Episodes
Single Axis Rotation), спроектированная Ли Гарисоном. Она позволяла создавать короткие анимационные эпизоды и сразу же просматривать их на цветном мониторе. После проверки можно было зафиксировать эпизод в памяти компьютера и про-должать работу.
На помощь аниматорам пришла также система "Сinetron", предоставлявшая возможность делать компьютерный расчет и планирование кадров, с тем чтобы закрепить на экране нужные движения.
Первые фильмы направления "информационного искусства" - "Тайна" ("Еnigmа") американки Лилианы Шварп, "Трансформация" ("Тransformation") француженки Веры Мольнар и "Меta datа" Петера Фёльдеша.

Премьера телевизионного цикла Пайтона "Летучий цирк Монти Пайтона", в котором были широко использованы спецэффекты и различные анимационные технологии.
1972
Премьера американского фильма "Кот Фриц" ("Fritz the Cat") Ральфа Бакши по рисункам андеграундного художника Роберта Грампа. Эта лента, адресованная взрослым зрителям и впервые в истории анимации получившая категорию "Х", была острой сатирой на господствующую идеологию и нравы. Главный герой стал олицетворением бунтарской молодежи.
Дуглас Трамбалл и Билл Холанд из США разрабатывают систему, соединяющую камеру с компьютером.
1973
Премьера французского фильма "Дикая планета" ("La planete sauvage") - философской сказки Рене Лану и Ролана Топора.
1974
Международную славу российскому режиссеру Юрию Норштейну приносит фильм "Цапля и журавль".
В Иране создается центр экспериментальной анимации.
1975
Повсеместное применение компьютерной графики на американском телевидении для производства логотипов, заставок, рекламы и т.п. Компьютерная анимация используется большинством студий, которые выпускают коммерческие анимационные фильмы.
Популяризация видеоигр и интерактивной компьютерной графики в США. Джордж Лукас создал ILM (Industrial Light and Magic), задача которой - работа в сфере электронных спецэффектов для кинематографа.
Советский мультипликатор Анатолий Петров в фильме "И мама меня простит" применил на практике оригинальную технику рисования на стекле, которую называют то "гиперреалистической анимацией", то "фотографикой". Один из последующих известных его фильмов, выполненных в этой технике, - "Полигон" (1978).
1976
Американец Мартин Ньюэлл на показе "Siggraph" демонстрирует трехмерное изображение чайника для заваривания чая (это изображение было представлено на экспозиции в Бостонском Компьютерном музее рядом с чайником-оригиналом).
1977
Премьера фильма Джорджа Лукаса "Звездные войны", в котором использованы приемы кукольной анимации, лазерные эффекты, трюковые съемки. Эта лента оказала огромное влияние на кино- и телепроизводство последующих лет (а также на производство видеокомиксов и рекламы).
В "Близких контактах третьей степени" Стивена Спилберга используется синтетически генерированное трехмерное изображение летательного аппарата.
В Болгарии Тодор Динов создает фильм "Дракон", в котором сочетает игровое кино с мультипликацией.
1979
Выходит фильм Юрия Норштейна "Сказка сказок", который в 1984 году Международное жюри в Лос-Анджелесе объявило "лучшим анимационным фильмом всех времен и народов".
1978
Начинается выпуск телевизионного сериала "Маппет-шоу" ("Тhe Muppet Show") Джима Хенсона, герои которого-анимационные куклы - приобретают популярность во всем мире.
1980
В фильме Ирвина Кершнера "Империя наносит ответный удар" Фил Типет и Джон Берг впервые используют "gо-motion" - анимационную технологию, в которой ступени начального изображения скомпрессованы через компьютер.
1981
Джон Халас, британец венгерского происхождения, который с 30-годов делал инструктивные фильмы и независимую анимацию, осуществил в США постановку полностью компьютерно генерированного фильма "Дилемма". "Оскара" удостоена четырехминутная миниатюра венгра Ференца Рофуса "Муха". Первый фестиваль "Nouvelles Images" в Монте-Карло (с 1984 года - "Imaginа").
1982
В Великобритании создается телеканал "Сhannel 4" с целью показа экспериментальных достижений в сфере анимации для взрослых.
"Дисней Продакшн" проводит эксперименты с применением компьютерной графики в массовом производстве, но первые опыты ("Трон") были, скорее, неудачными.
1983
"Танго" поляка Збигнева Рыбчинского получило "Оскара" в категории короткометражных анимационных фильмов. В том же году режиссер переехал в Соединенные Штаты. Там он поставил много анимационных фильмов и видеоклипов, в которых применял компьютерные технологии и технику High Definition. Среди них - "Imagine" (1986), "Лестница" (1987), "Четвертое измерение" (1987), "Оркестр" (1990), "Кафка" (1992). Он принадлежит к числу самых знаменитых мастеров видеоарта и величайших новаторов в этой области.
1984
Появились первые фильмы интерактивного кино, в которых зритель при помощи компьютерных операций влияет на содержание произведения.
1986
Премьера "Улицы крокодилов" (по Бруно Шульцу) братьев Стивена и Тимети Куэй. Эти авторы, американцы по происхождению, основали собственную небольшую студию в Великобритании; сознательно отказавшись от новых технических достижений, они своими силами, ценой огромного напряженного труда, создают мастерски деформированных кукол. Братья Куэй охотно ссылаются на Старевича как на своего духовного наставника. Атмосфера их фильмов мрачна и катастрофична. Один из критиков отмечал, что они анимируют не натюрморты, то есть мертвую материю, а смерть материи, ее деструкцию и распад. Среди их последующих фильмов - "Гребенка" ("Тhe Comb", 1990), "Слепая любовь" ("Вlind Love", 1991), "Тихая ночь 2" ("Stille Nacht 2", 1992).
1987
В Лос-Анджелесе создается Международное общество, объединяющее студии анимационных фильмов.
1988
Чешский аниматор (художник и кукольник) Ян Шванкмайер поставил свой первый полнометражный фильм "Алиса" по Л.Кэрролу. Здесь игровой, актерский фильм соединен с разными видами анимационной техники (коллажем, папье-маше, рисунком и куклами). Шванкмайер начал ставить анимационные фильмы в 1964 году. Среди его фильмов: "И.-С. Бах: Фантазия соль-минор" (1965), "Сад" (1969), "Дневник Леонарда 72" (1972). В 1994 году он поставил "Лекции Фауста" по Гёте. Все его фильмы технически совершенны, их отличает сюрреалистический юмор и поэзия с магическими мотивами. Шванкмайер приобретает все большее международное признание.
Премьера фильма "Кто подставил кролика Роджера" Роберта Земекиса, в котором блестяще соединяются игровая и анимационная техники.
В коммерческом кино во всем мире начинает доминировать автоматизированная анимация. Безусловный приоритет тут принадлежит японцам. Созданные ими сериалы для детей и молодежи лишены эстетической ценности. Для них характерны упрощенность художественной формы и схематичная анимация. Эти сериалы заполоняют все телевизионные каналы мира.
1990
Студия "Fох Network" начинает выпуск сериала "Симпсоны" ("Тhe Simpsons"). Его герои - члены американской семьи, непривлекательные внешне и с исключительно мерзкими характерами, приобретают необыкновенную популярность.
1991
Выходит первый номер ежеквартальника "Тhe Animation Journal", посвящен-ного анимации.
1992
"Морская свинка" ("Guinea-pig") Бретга Леонарда становится первым фильмом на темы виртуальной реальности.
1993
"Кодак" вводит систему "Сineon" - первый полный комплект оборудования для создания спецэффектов.
Джеймс Кемерон, Стен Винстон и Скотт Росс основывают фирму "Дижитал Домейн" ("Digital Domain"), которая специализируется на производстве видеоигр, спецэффектов и СD-rom''ов.
Фильм Марка Брамбилла "Разрушитель" впервые включает в себя эпизоды, которые будут затем использоваться в видеоиграх.
1994
Бывший сотрудник Диснея Тим Бартон, создатель кинематографического Бэтмена, осуществил постановку своего первого полнометражного кукольного фильма "Ужасы накануне Рождества" ("Nightmare before Christmas") о противостоянии между языческим праздником Хеллоуин и Рождеством Христовым.
Премьера "Маски" Чарлза Рассела, в которой стирается граница между анимационным и игровым кино, что стало возможным благодаря технологии компьютерной обработки изображения.
1995
"Каспер" ("Саsper") Брэда Сиберлинга вмещает в себя в целом 40 минут синтетических анимационных изображений.
1996
"История игрушек" ("Тоу Storу") Джона Ласетера (производство компаний "Пиксар" и "Дисней") становится первым полнометражным фильмом, созданным целиком из синтетических изображений.
Появились также первые видеоигры, которые используют (на большом экране) киноизображение, актеров и кинотехнологии ("Wing Commander 4", "The Dig", "Ripper" и другие).
Пик Парк получает третьего "Оскара" за фильм "На волосок от смерти"/"Чистое бритье" ("Сlose Shavе"), набрав невиданное доселе количество голосов в категории анимации.
1997
Компании "Пиксар" и "Дисней" заключают договор о совместном производстве и прокате пяти полнометражных анимационных фильмов.
Компания "Imax Corporation" представляет новую технологию "Stereo Anination Drawing Deviceе" - прибор для рисования стереоанимации, которая позволяет аниматорам разрабатывать трехмерные стереоскопические анимационные фильмы для демонстрации в кинотеатрах Imах 3D. С его помощью аниматоры могут рисовать и анимировать в пространстве непосредственно руками. В отличие от анимационной компьютерной анимации, где используется клавиатура, "мышь" и сложные инженерные манипуляции, тут используется жезл, свободно передвигающийся и превращающий движение руки аниматора в линии, которые возникают в пространстве в процессе рисования. Связанная с этим технология "Geretto" позволяет аниматору создавать сложные и очень длинные (до ста кадров) фрагменты анимации из небольшого числа таких рисунков.
1998
"Оскара" (и ряд других международных наград) получает выпущенная компанией "Пиксар" (Рixar Animation Studios) коротенькая анимация "Игра Джери" ("Geri's Gamе"), в которой сделаны значительные шаги на пути анимирования кожи и одежды персонажей. В следующем году "Оскаром" награждается еще одна анимационная лента - "Крольчиха" ("Вunnу"), где использована компьютерная технология, воссоздающая тончайшие нюансы естественного освещения. Фильм снят на студии "Blue Sky Studios".
Создаются интернетовские сайты, полностью посвященные анимации. В частности, Аnimation World Network (wwwawn.com), который выдает любую информацию, связанную со всеми возможными вопросами из области анимации, а также АSIFA.NET (htt://asifa.net) - официальная страница АSIFА, выдающая информацию об этой Организации; ее структуре, истории и деятельности и предоставляющая возможность связи с 3500 ее членами из 60 стран, объединенных в 35 национальных и региональных групп.
1999
"Оскара" за специальные эффекты получает фильм "Куда приводят мечты" ("What Dreams May Come"), в котором фирма "Маss. Illusions" достигла невиданного ранее уровня достоверности в соединении живого персонажа с анимационным фоном (техника "анимированного рисования"). В следующем году эта же фирма получает еще одного "Оскара" за спецэффекты в фильме "Матрица" ("Маtrix").
Компания "Пиксар" объявляет о последней разработке системы лазерной записи РIXAR VISION, которая превращает цифровые компьютерные данные в изображения на кинопленке с невиданными прежде качеством и быстротой. Система была опробована на анимационном блокбастере 1998 года "Жизнь жучков" ("Bug's Life") и на следующем хите - "История игрушек 2" ("Тоy Storu 2"). Несколько позже это изобретение компании "Пиксар" получает "Технический приз" Американской киноакадемии.
Состоялись первые в истории анимации и кинематографа в целом показы полнометражных фильмов на большом экране в "цифровой проекции" - "Тарзан" и "История игрушек 2".
2000
Российский аниматор и художник Александр Петров с третьей попытки (после номинаций "Коровы" и "Русалки") удостаивается "Оскара" за фильм "Старик и море". Картина сделана в технике "живописи по стеклу". Это первый фильм из оскаровских лауреатов по разделу анимации, созданный в формате 70 мм пленки для проекции на гигантский экран высокой четкости "Iмах".
Кинокомпания Стивена Спилберга "Dream-Works SKG", начавшая активно производить собственные анимационные фильмы - как традиционные ("Принц Египта", 1998), так и компьютерные ("Муравьишко Антц", 1998), - выступила в качестве продюсера полнометражного пластилинового фильма одной из ведущих анимационных компаний "Ааrdman Animations" - "Побег из курятника" ("Сhicken Run"), созданного ее основателями Ником Парком и Питером Лордом. Компания "Уолт Дисней" выпускает полнометражный фильм "Динозавр", в котором на протяжении всей ленты соединены реальный фон и компьютерно генерированное изображение животных.
Фирма "Сinesite, Inc.", являющаяся подразделением "Еаstman Kodak Companу", ввела качественно новую систему спецэффектов, которая была опробована на фильме "Люди Икс" ("Х-Меn"). Эта система используется для создания трехмерного анимированного робота, который взаимодействует с "живыми" персонажами и реальным фоном в новом фильме "Красная планета".
Появляются новые компьютерные технологии (в частности "Quick Time VR"), которые позволяют передвигать изображение из плоского двухмерного пространства в трехмерное (с интерактивными компонентами). Это дает возможность зрителю "нырять" в виртуальные миры с помощью всего лишь компьютера и "мыши", не пользуясь перчатками, шлемами или громоздкими очками.
5 ноября сериал "Симпсоны" отпраздновал появление своей 250-й серии. Таким образом, он стал самым длинным и самым популярным из анимационных сериалов. Последняя серия называется "Рассказ о двух Спрингфилдах", и речь в ней идет о гражданской войне между двумя районами маленького американского городка за получение бесплатных билетов на концерт популярной рок-группы.
В связи с заметным ростом количества анимационных фильмов в мировом прокате Американская киноакадемия принимает решение ввести еще одну оскаровскую номинацию - "полнометражный анимационный фильм".

В 1889 году Генрих Ернеманн основал в Дрездене фабрику по производству фотоаппаратов. В 1903 году он представил аппаратуру Kino Model-1. Первый киноаппарат Ернемана был универсален и использовался как съемочная камера и проектор.

В 1904 г. был изготовлен аппарат Kino (проектор)

"Ernemann-Imperator" был изготовлен в 1909 г.

"Ernemann-President" - 1914 г.

"Ernemann II" - 1929 г.

Заинтересовавшись несколько лет назад историей киноискусства Германии, Сергей Гавриленко, украинский киновед, историк киноискусства, кандидат искусствоведения, в июле 2004 года приступил к осуществлению проекта, связанного с воссозданием в металлических миниатюрных моделях, кинопроекционной техники европейских стран.

Основной целью этого проекта стала идея проведения переездных выставок, которые могли бы рассказать и показать уникальные странички из истории кинопроекционной техники Европы прошлых лет. За основу экспозиции было решено взять технику ERNEMANN.

Создавать муляжи, т.е. модели которые воспроизводили бы только один внешний вид техники было неинтересно, что и подтолкнуло к мысли создать рабочие модели проекторов, которые могли бы демонстрировать фильмы перенесенные на специально подготовленную пленку размером 3,5 мм., на экран 3х4 см.

Все модели были выполнены в материале - жесть, латунь, при создании механических частей и блоков использовались отдельные части часовых механизмов, за исключением "мальтийского креста", который специально вытачивался под 20-кратным увеличением. Все модели имеют микродвигатели принудительного хода, которые осуществляют вращение всех движимых частей проекторов. Все модели собраны вручную, без использования сложных станков и оборудования!

Первая коллекция экспозиции состоит из 10 моделей выполненных в масштабе 1х10: "NORMAL" (1905), "IMPERATOR" (1909), "PRESIDENT" (1914), "ERNEMANN-II" (1929) - в двух вариантах исполнения и другие.

Благодаря информационной поддержке сайта - wwwkinotehnik.net, Представительства фирмы ERNEMANN в Российской Федерации и спонсорской помощи Народного артиста Украины, режиссера анимационного кино В.А.Дахно, на сегодняшний день стало возможным проведение выставок в Украине и РФ.

Так, первая выставка из истории развития кинопроекционной техники Европы в миниатюрных моделях прошла в Киеве; ее открытие состоялось 25 марта 2005 г., в 17.00, в Музее М.Заньковецкой, по адресу: г.Киев, ул.В.Васильковская (Красноармейская), 121.

В дальнейшем планируются аналогичные выставки в Харькове, Днепропетровске, Полтаве, Москве и С-Петербурге. С каждой выставкой экспозиция уникальных моделей будет пополняться новыми экспонатами.

О местах, датах и времени проведения выставок мы будем сообщать заблаговременно, поэтому следите за информацией, размещаемой на сайте. Так же, после проведения первой выставки (в г. Киеве) будет подготовлен фоторепортаж. Не пропустите!

Автор этого проекта продолжает искать партнеров для дальнейшего развития экспозиции и осуществления возможностей ее продемонстрировать в других городах и странах.

Все материалы предоставлены сайту автором проекта Гавриленко С.Д., с которым можно связаться по электронной почте.

Копирование и использование данного материала разрешается только после согласования с администратором сайта.

"Эволюция звука в кино" А. Поздняков [#]

У современного человека уже не вызывает удивления наличие в кино- и видеофильмах многоканального звука; он воспринимает это как само собой разумеющееся. Он с удовольствием посещает кинотеатры с новейшим оборудованием, а если есть желание посмотреть кинокартину в уютной обстановке и в семейном кругу - включает свой DVD-проигрыватель и наслаждается объемным звуковым сопровождением. Но если мысленно вернуться на десятилетия назад и проследить за развитием кинозвукотехники, остается только изумляться тому, как за сравнительно короткое в исторических масштабах время в этом направлении были достигнуты нынешние высоты. Понадобился труд множества ученых и инженеров, занимавшихся разработкой звукового оборудования и технологий записи и воспроизведения звука. Сменилось несколько поколений аппаратуры, прежде чем появились звукотехнические комплексы, способные реализовать качественную многоканальную звукопередачу. А начиналось все с обычной грампластинки...

Когда пришло время звукового кино и профессия тапера ушла в историю, многие режиссеры заявили о том, что кино как искусство отодвинулось в своем развитии далеко назад, так как потеряло свое зрительное выражение, образность. Отчасти эти суждения были верны, но зато появился новый способ выразительности – звуковой.

Первоначально делались попытки ввести звук в кино с применением механической записи, но из-за многих недостатков, в частности, невозможности обеспечить полную синхронность звука с изображением, эта система не прижилась.

Первым фильмом, созданным таким образом (метод "Вайтафон" – сочетание изображения с грамзаписью музыки), была полнометражная кинокартина братьев Уорнер "Дон Жуан".

В конце 20-х годов появилась система фотографической записи звука. В чем же заключались преимущества данного способа перед механической системой? Во-первых, так как фонограмма находилась прямо на кинопленке, то была обеспечена жесткая привязка звука к изображению, то есть синхронность. А во-вторых, упрощался технологический процесс. Позже был принят единый стандарт расположения фонограммы на кинопленке шириной 35 мм – "Academia" – для обеспечения совместимости различных фотографических фонограмм.

В 1927 г. выходит следующий фильм братьев Уорнер – "Певец джаза", на котором кинокомпания "Уорнер Бразерс" заработала 3.5 млн. долларов – огромный по тем временам доход. В Голливуде начался ажиотаж в связи с приобретением аппаратов для записи/воспроизведения фонограмм к кинофильмам.
Звуконепронепронецаемая кабина для кинооператора
Альфред Хичкок за работой над очередным шедевром

В 1929 г. в США появляется первый "говорящий" фильм "Огни Нью-Йорка". В Англии снимается "Шантаж" Хичкока.

В СССР первые звуковые фильмы появились в 1928-1929 годах. В 1926 г. в Москве коллектив инженеров, возглавляемый П. Тагером, приступил к работе над записью звука на кинопленку. В то же время в Ленинграде А. Шорин приступает к созданию своего звукового комплекса для кино. Как итог в марте 1928 г. в Москве состоялась первая в СССР демонстрация звуковоспроизведения с фотографической фонограммы, записанной с помощью системы, созданной московским коллективом. Система Шорина была продемонстрирована в Ленинграде в октябре этого же года.
Кадр из кинофильма Путевка в жизнь

22 марта 1929 г. состоялся первый просмотр звуковых фильмов, сделанных ленинградским коллективом, а 5 октября того же года открылся первый в СССР звуковой кинотеатр – нынешний "Кристалл Палас" на Невском проспекте.

В производство было запущено несколько фильмов: "План великих работ" ("Пятилетка") режиссера А. Роома и "Симфония Донбасса" Дзиги Вертова. В Москве на кинофабрике "Межрабпомфильм" над фильмом "Простой случай" работала группа Всеволода Пудовкина, а над кинокартиной "Путевка в жизнь" – группа Николая Экка. В середине 1930 г. началась демонстрация первой звуковой советской кинопрограммы, состоящей из речи А.В. Луначарского о значении звукового кино и полнометражного документального фильма "План великих работ". Самые яркие звуковые кинокартины того времени – "Путевка в жизнь" (1931), "Одна" (1931), "Мертвый дом" (1932), "Златые горы" (1931). Новую страницу в истории звука в кино открыл фильм Эйзенштейна "Александр Невский", где использовалась замечательная музыка Сергея Прокофьева. Энтузиасты того времени постоянно экспериментировали, отыскивая новые формы и средства осуществления звукового решения фильмов. Эти пионеры звука – Е. Нестеров, И. Тимарцев, В. Лещев, А. Павлов, В. Попов, А. Шаргородский и другие – исполняли одновременно функции инженерные и творческие.

Для записи и воспроизведения фотографических фонограмм были созданы специальные звукотехнические комплексы. Но большую проблему для воспроизведения звука представляло то, что помещения, в которых демонстрировались кинофильмы, искажали звукопередачу. Помещения эти приходилось сильно заглушать, чтобы уменьшить реверберационные процессы, негативно отражавшиеся на разборчивости речи. Но при этом ухудшалось воспроизведение музыки.

С дальнейшим совершенствованием звукотехнических комплексов стали строиться новые кинотеатры, кинозалы в которых уже специально проектировались для качественного кинопоказа. Были созданы стандарты проектирования кинозалов, в которых оговаривались значения параметров, необходимые для качественной звукопередачи, такие как частотная зависимость времени реверберации, зависимость времени реверберации от объема зала и т. д.

В 50-х годах с появлением широкоэкранных фильмов были сделаны попытки реализовать стереофоническое кино. Для этого была применена магнитная запись звука. На готовую 35-мм фильмокопию наносились четыре магнитные дорожки. На трех из них фиксировался со скоростью движения кинопленки стереофонический звук, а четвертая, узкая, дорожка использовалась для записи звуковых эффектов, которые воспроизводились группами громкоговорителей, расположенными по периметру зала. Сигналы, воспроизводимые с трех первых дорожек, поступали по отдельным усилительным каналам на три заэкранных громкоговорителя (правый, левый и центральный).

С 1955 г. начали выпускать широкоформатные фильмы на 70-мм кинопленке, в которых была реализована шестиканальная стереофония с помощью опять же магнитной записи звука. В 1959-1960 годах был снят первый в СССР фильм с записью подобной фонограммы – "Повесть пламенных лет".

В связи с внедрением этой технологии были разработаны новые комплексы звукозаписи и звуковоспроизведения. Однако технология создания фильмокопий с магнитными фонограммами в несколько раз дороже, чем технология производства фильмокопий с фотографическими фонограммами. Кроме того, магнитные дорожки подвержены влиянию внешних магнитных полей, а также со временем отслаиваются из-за теплового воздействия света, проходящего через киноленту во время проекции. Эти причины привели к отказу от магнитных фонограмм на 35-мм фильмокопиях.

Кроме вышеперечисленных систем, в Советском Союзе и в США существовало панорамное кино. Изображение в нем проецировалось на большой сильно изогнутый экран тремя проекционными аппаратами. Стыки между изображениями были устранены при помощи специальных устройств. При показе воспроизводился звук с дорожек, находившихся на отдельной магнитной ленте. В советской системе воспроизводились девять каналов, а в американской – шесть. Самым первым фильмом, снятым в СССР специально для панорамного кино, стал "Широка страна моя родная"(1958 г.). Из-за трудоемкости процессов съемки и проекции этот вид кинематографа в середине 60-х годов перестал существовать.

Также был реализован киноаттракцион, называемый "кругорамой". В Советском Союзе "кругорама" демонстрировалась в специально построенном круглом здании, внутри которого располагались по кругу 11 киноэкранов, составлявших круглый единый экран. Сверху над ними находились еще 11 киноэкранов для показа отдельных кинокадров под некоторым углом к полу здания. Многоканальное звуковое сопровождение воспроизводилось громкоговорителями, располагавшимися по периметру зала в полу и потолке. Зрители стоя рассматривали фильмы, произвольно размещаясь в кинозале. В американской системе использовалось на четыре экрана меньше, чем в советской, и изображение проецировалось с 16-мм фильмокопии.

Кадр из фильма Стенли Рубрика Заводной апельсин

С начала 70-х годов за рубежом широко применяются стереофонические фотографические фонограммы. Это стало возможным после разработок фирмы Dolby Laboratories Inc. Первая система – Dolby A, была применена для записи фотографической фонограммы к фильму "Заводной апельсин". В этой системе при изготовлении фонограммы использовалось устройство шумопонижения Dolby A, за счет чего достигли улучшения параметров качества звука: увеличилось отношение "сигнал/шум" и был расширен частотный диапазон.

За "Заводным апельсином" в 1975 г. последовал фильм "Листомания", при изготовлении фонограммы которого была использована система шумопонижения Dolby B. Данную фонограмму назвали Dolby Stereo. По этой системе две звуковые дорожки располагаются на месте обычной фонограммы на киноленте. Звук считывается оптическим воспроизводящим устройством и поступает на кинопроцессор, состоящий из устройства шумопонижения, матричного декодера, эквалайзера и регулятора громкости для всех каналов. Задача матричного декодера Dolby MP – расшифровка четырех каналов звука, которые закодированы и записаны на две дорожки кинопленки. После декодирования три канала поступают на центральный, правый и левый заэкранные громкоговорители, а четвертый (канал окружения для спецэффектов) – на громкоговорители, расположенные по периметру зала. Кроме того, из каналов с помощью фильтров выделяется низкая частота и поступает на низкочастотный громкоговоритель.

В 1986 г. Dolby Laboratories Inc. создала новую систему записи звука Dolby SR, которая, подобно Dolby Stereo, производила кодировку четырех каналов в два, но обладала улучшенными показателями качества. Первый фильм, с записанным звуком по этой системе, вышел на экраны в 1987 г. и назывался "Робот-полицейский".
Кадр из х/ф Робот-полицейский

Большое достоинство описанных выше звуковых аналоговых систем заключается в том, что себестоимость фильмокопий с фонограммами, записанными по этим системам, ненамного дороже обычной фильмокопии. Кроме того, довольно-таки просто модернизировать кинопроекционную аппаратуру под эти системы. В 1981-1985 годах в СССР научные институты, производственные предприятия и киностудии страны (НИКФИ, ЛОМО, "Мосфильм", "Ленфильм") провели научно-исследовательские работы, разработали техническую документацию на отечественную многоканальную систему воспроизведения звука в кинотеатрах "Суперфон". Были созданы стереофонические звуковоспроизводящие комплексы "Суперфон-70" и "Суперфон-35". Ими были оборудованы 20 кинотеатров в СССР.

Система "Суперфон-70" предназначалась для 70-мм широкоформатных фильмов и базировалась на стандартной шестидорожечной магнитной фонограмме. Каналы распределялись следующим образом: 3 из них поступали на заэкранные громкоговорители (правый, левый, центральный), 2 – на настенные громкоговорители (правый и левый), и 1 – на громкоговоритель сверхнизких частот.

Система "Суперфон-35" предназначалась для 35-мм фильмов и базировалась на 2-канальной фотографической фонограмме. В ней, как и в системах Dolby, использовалась матричная стереофония. Два канала при воспроизведении декодировались в шесть: центральный, правый центральный, левый центральный, правый боковой, левый боковой, канал сверхнизких частот.

Система "Суперфон" по сравнению с предыдущими советскими системами обладала лучшими показателями качества: было повышено отношение "сигнал/шум", расширен частотный диапазон, уменьшены нелинейные искажения. Это было достигнуто за счет разработки новых технических средств для этой системы. Система "Суперфон" была использована для показа в 1985 г. на 14-м Московском международном кинофестивале в год 40-летия Победы в Великой Отечественной войне 4-серийной широкоформатной эпопеи "Битва за Москву" и фильма "Прорыв".

К сожалению, происшедший в следующие годы развал СССР и наступивший после этого кризис положили конец всем попыткам развития и внедрения подобных отечественных систем.

Время шло, и в конце 80-х годов во всем мире получили распространение цифровые технологии. Это не могло не коснуться и кинематографа. В 1992 г. Dolby Laboratories Inc. представила новый цифровой формат – Dolby Digital в фильме "Бэтмен возвращается". В формате достигнута повышенная информационная емкость носителя за счет применения кодера AC-3, сжимающего информацию в 12 раз. Используемая частота дискретизации звука – 44,1 КГц. Достоинство этой системы заключается в том, что на фильмокопии, кроме цифровой фонограммы, расположенной между перфорациями, сохраняется и обычная, аналоговая, записанная в формате Dolby SR. Это обеспечивает совместимость с предыдущими форматами Dolby, а также непрерывное воспроизведение в случае выхода из строя цифрового тракта. Эту систему окрестили также системой 5.1, так как она обеспечивает воспроизведение в кинозале шести независимых друг от друга каналов (правый центральный, центральный, левый центральный, правый боковой, левый боковой, канал сверхнизких частот).

В другом направлении по развитию цифрового кинозвука пошла фирма Digital Theater System Inc., создав цифровой формат DTS 5.1. Отличие от других систем заключается в том, что, кроме обычной аналоговой фонограммы Dolby SR, на фильмокопии между ней и кадрами расположен временной код. Во время демонстрации фильма он считывается специальной головкой и поступает на процессор DTS, синхронизируя его и кинопроектор. Процессор воспроизводит фонограмму, которая записана на лазерный диск в цифровом виде с коэффициентом сжатия 4:1. Разрядность сигнала – 16 бит, частота дискретизации – 44.1 КГц. Первый фильм с фонограммой, созданной по этой системе, – "Парк Юрского периода", 1993 г.

В 1993 г. были продемонстрированы фильмы "На линии огня" и "Последний киногерой", в которых фонограмма была записана по системе SDDS, созданной фирмой Sony. Звуковые дорожки этой системы расположены на обоих краях пленки за пределами перфорационных дорожек. В отличие от других систем, формат SDDS имеет 8 каналов (7.1): 5 заэкранных громкоговорителей (левый, левый центральный, центральный, правый центральный, правый), 2 канала окружения и 1 канал сверхнизких частот. Так как многие фильмы в SDDS записаны по системе 5.1, то декодер способен при необходимости создавать правый и левый центральные каналы. Разрядность звука – 16 бит, частота дискретизации – 44. 1 КГц. Коэффициент сжатия информации (используется кодек Atrac, тот же самый, что и в минидисках) невелик (3:1), но за счет использования пространства за перфорациями удается записать все 8 каналов.

Система SDDS одна из самых надежных, так как при воспроизведении звука повреждения на одной стороне пленки корректируются информацией, взятой с дорожки на другой стороне пленки. Кроме того, имеется аналоговая фонограмма Dolby SR и в случае неполадки во время воспроизведения происходит переключение на нее. Еще в SDDS используется код коррекции ошибок, позволяющий даже при склейках точно воспроизводить звуковую информацию.

У системы 5.1 имеется существенный недостаток: наличие всего двух каналов окружения, с помощью которых трудно полностью передать задуманный звукорежиссером звуковой образ. Поэтому фирма Dolby Laboratories Inc. создала новый формат Dolby Digital-Surround EX, представленный в 1999 г. в знаменитом фильме "Звездные войны. Эпизод 1". В этой системе используется дополнительный тыловой канал, который кодируется в двух каналах окружения. При воспроизведении происходит их расшифровка, и из них выделяется сигнал тылового канала и поступает на громкоговорители, расположенные на задней стене кинозала. Этот формат окрестили форматом 6.1.

Перечисленные выше системы фирм Dolby Laboratories Inc., Digital Theater System Inc. и Sony несовместимы друг с другом. Они находятся в состоянии конкуренции. На данном этапе в России большинство кинотеатров, которые были модернизированы, оснащены звукотехническими комплексами фирмы Dolby. Для того чтобы демонстрировать фильмы с фонограммой, записанной по системам Dolby, надо пройти сертификацию, которую проводят специалисты фирмы. Особые требования предъявляются к параметрам кинозала.

Вот такой длинный путь прошла кинозвукотехника за время, охватывающее период менее одного столетия. В будущем ожидается развитие цифрового звука в кино в сторону увеличения числа каналов и улучшения параметров качества за счет повышения информационной емкости носителей и создания новых кодеров.

Автор: Андрей Поздняков. Дата публикации: 29.09.2003 г. Источник (сайт автора статьи): http://late.fatal.ru/

"Удивительный путь развития формата" И.Ю. Киселев [#]

Своим развитием в течение ста лет кино обязано стандарту. Несмотря на то, что кинооборудование претерпело значительное изменение на протяжении этих 100 лет, чудом является сохранение универсального профессионального формата фильма - 35 мм. Если бы кино пошло по пути видео и телевидения с постоянной сменой систем и форматов записи, его развитие постоянно бы откладывалось и не было бы таким успешным. За этот единый формат мы благодарны гению Эдисона (Edison). Стандарт 35 мм называется стандартом Эдисона. В мае 1889 Томас Эдисон заказал камеру Кодак (Kodak) у компании Истман (Eastman) и использовал в своих опытах кинопленку 2 3/8" (69,6 мм- прототип современной кинопленки 70 мм).

В последствии Диксон (W.K.L.Dickson) в своей лаборатории заказал у Истман пленку 34,8 мм. Эта была половина стандарта, используемых в камерах Истмен. Для ее воспроизведения потребовался новый тип проектора - Кинетоскопа (Kinetoscope) для просмотра движущихся изображений, записанных на целлулоидную пленку. Кинетоскоп был предназначен только для просмотра одним человеком.
Фильмы Люмьер (Lumiere)

В 1888году проходили лабораторные и публичные демонстрации фильмов, но они носили случайный характер. Мало того, в том же 1895 году проходило приличное количество сеансов движущейся фотографии, но их изобретатели, как правило, не знали друг о друге, что послужило впоследствии причиной бесконечных споров о приоритете в кино. Почему в этом споре победили братья Люмьер? Да, просто потому, что их публичные платные сеансы оказались наиболее успешны... с точки зрения коммерции.

Люмьеры не появились из неоткуда. Братья вместе со своим отцом были руководителями крупной фабрикой фотоматериалов в Лионе.

После многократных публичных сеансов происходивших начиная с марта 1895 года Люмьер заказывает в мастерских, руководимых Карпантье, свой "синематограф". Он был одновременно съемочным, проекционным и копировальным аппаратом. И далеко превосходил все ранее созданные. Техническое совершенство аппарата и сенсационное содержание новых фильмов Люмьера обеспечили им повсеместно триумфальный прием.

Но Люмьеры не остановились на этом. Десятки операторов, обученных Люмьером, распространили его аппарат по всему миру. Они и создали известность в большей части земного шара слову "синематограф" (или его производным "синема", "сине", "кино" и т. д.), означающему новый вид зрелища. Русский царь, английский король, австрийская императорская семья - все коронованные особы хотели видеть новый аппарат и этим создали ему большую рекламу.

В марте 1895 г. братья Люмьер представили свой первый проект - Синематограф (Cinematographe) - проектор для фильмов формата 35 мм. Первый публичный показ был 28 Декабря того же года. Этот день во всем мире считается днем рождения кинематографа.

Первый фильм Луи Люмьера "Выход с завода" носил почти рекламный характер. Он впервые демонстрировался на конференции, посвященной развитию фотопромышленности во Франции. Устремляющиеся к выходу работницы в широких юбках и шляпах с перьями, рабочие, ведущие свои велосипеды, придают в наших глазах этому обычному чествованию наивную прелесть. Вслед за рабочими - в карете, запряженной парой лошадей, ехали владельцы фабрики, за которыми привратник закрывал ворота. Неожиданно серия этих фильмов оказалась не только семейным альбомом, но и социальным документом, в котором запечатлена жизнь богатой французской семьи в конце прошлого века. Люмьер показывает картину прочного благополучия, и зрители видят себя на экране такими, какие они есть или какими хотели бы быть.

Два известных и наиболее популярных фильма Луи Люмьера - "Прибытие поезда" и "Политый поливальщик" - намечают пути дальнейшего развития кино.

В "Прибытии поезда" паровоз, появляясь из глубины экрана, устремлялся на зрителей, заставляя их вскакивать с мест из боязни быть раздавленными. Зрители отождествляли объектив аппарата, его "глаз", со своим собственным глазом. Впервые аппарат стал как бы действующим лицом фильма. В этом фильме Луи Люмьер использовал все возможности, таящиеся в объективе с большим фокусным расстоянием. Сначала на экране показали общий план пустого вокзала и рабочего, проходящего с тележкой по перрону. Затем на горизонте появляется быстро растущая черная точка. Вскоре паровоз занимает почти весь экран, стремительно надвигаясь на зрителей. Вагоны останавливаются у платформы. Толпа пассажиров направляется к вагонам, и среди них мать Люмьера, в шотландской накидке, с двумя внуками. Двери вагонов открыты, пассажиры входят и выходят. Между ними две невольные "звезды" фильма: молодой крестьянин из Прованса, с палкой в руке, и очень красивая молоденькая девушка, одетая во все белое.

Увидев аппарат, девушка останавливается в нерешительности, но, оправившись от смущения, проходит перед объективом, чтобы сесть в вагон. Крестьянин и девушка были сняты очень крупным планом, чрезвычайно четко. При этом планы не снимались отдельно, а являлись результатом своеобразного варианта "травеллинг" (съемки с движения). Съемочная камера не перемещалась, а, наоборот, все объекты изменения точки зрения дает то же разнообразие планов, как и при современном последовательном монтаже.

В общем и целом, поезд стал символом кинематографа. В свое время появление железной дороги вызвало неоднозначные мнения современников (первый грузовой состав прошел в 1808, а первый пассажирский - Ливерпуль-Манчестер - 15 сентября 1830)."Орудие божественной мести и страшного возмездия, возрождающее все дантовы муки" (Огюст Барбье, 1842). "Чудовище, украденное человеком у господина Люцифера" (Савиньен Лапуэнт, 1844). Но любопытно, что уже тогда ассоциации с Люцифером сочетались с "кинематографическими". "Непривычный для человека взгляд с быстро движущегося локомотива вызывал эффект мучительной оптической иллюзии. Странный оптический обман вызывал и вид движущегося поезда со стороны. Кембл сравнивает испытанное ей ощущение с воздействием оптических эффектов волшебного фонаря". Так, Виктор Шкловский, описывая ранние свои впечатления от фильма про поезд, сообщает: "Казалось, что там, в стене, есть другая, движущаяся жизнь, скажем, почти загробный мир". Кстати, по Фрейду путешествие во сне по железной дороге означает умирание...
Борьба за стандарты

Кинопленка в проекторе Люмьер имела одну перфорацию круглой формы в одном кадре. В то же время Эдисон при проекции использовал четыре перфорации прямоугольной формы на кадр. В последствии единым форматом стала перфорация прямоугольной формы с четырьмя отверстиями в кадре.

В то время уже существовали различные форматы изображения на кинопленке:

54 мм (2 1/8") Фриз Греен (Friese-Greene) 1887
54 мм paperfilm (2 1/8") Принц (Le Prince) 1888
50 мм Складовский (Skladоwsky) 1895
60 мм Пресвич и Демени (Prestwich & Demeney) 1895
38 мм Сиван и Дельфин (Casimir Sivan/E.Dalphin) 1896
63 мм Верископ процесс (Veriscope) 1897

Вильям Диксон вскоре ушел из лаборатории Эдисона и с целью получения собственного патента (патент принадлежал Эдисону) и использовал кинопленку 68 мм для процесса Мутоскоп и Биограф (Mutoscope&Biograph Company). Известны замечательные по качеству документальные съемки, которые были сделаны оператором этой компании во время путешествия по Европе. В дальнейшем широкоформатная пленка доказала свои положительные качества и в других областях применения. В 1897 было отснято более 10.000 футов на пленке формата 63 мм. Основной проблемой широкоформатной пленки была ее прочность, так как напряжение пленки в фильмовом канале при проекции намного больше, чем для пленки 35 мм. Кроме этого компания Eastman применила технологию удваивая толщину целлулоидной основы, использовавшейся для пленки с 1896 г.

Ключевым моментом в столетии кинематографа стало объединение девяти крупнейших производителей в 1909 году в Консорциум Motion Pictures Patents. Этот консорциум принял формат 35 мм как стандартный.

Стандарт 35 мм был утвержден в том же году на Международном Кинематографическом Конгрессе (Congres Internasional des Editeurs de Films) в Париже. В Германии стандарт получил название Normalfilm, во Франции - Pelicule format standart.

Это конечно не означало, что не было разработок других форматов. В течение всего времени создавались альтернативные форматы. Формат 35 мм постоянно подвергался критике с точки зрения экономики, качества, прогноза развития кинематографа или эстетики.
Форматы любительского кино

На рынке любительского кино основным критерием была стоимость производства фильма. Для любительской съемки кинопленка 35 мм обычно резалась вдоль на две или три полосы - нестандартный размер, или как его называли в Германии "Маленький фильм" ("Schmalfilm"). Первая демонстрация такого фильма была в Англии (Robert Paul & Birt Аcres) в 1899. Их камера (Birtac), которая одновременно являлась и проектором, использовала кинопленку 17 мм фильм с односторонней перфорацией. В том же году была продемонстрирована технология Биокам (Biokam), 17 мм с центральной перфорацией между кадрами. Развития технология не получила. Прествич (J.A.Prestwich) разработал аппаратуру для пленки 13 мм и продемонстрировал ее также в 1899. Об этой технологии мало что известно.

В 1900 Гамон Демени (Gaumont-Demeny) продемонстрировал аппарат Chrono de Poche с необычным форматом 15 мм. Перфорация пленки была в центре между кадрами. В мире известен лишь один образец этой машины. Тогда же появился аппарат Мирограф (Mirograph) в котором использовался размер фильма 21 мм. Он имел вместо перфорации боковые прорези с одной стороны.

Более успешен был Генрих Ернеман (Heinrich Ernemann), который в 1903 представил аппаратуру Kino I. Он использовал ту же пленку, что и Биокам. Аппарат Ернемана был универсален и использовался как съемочная камера и проектор. В дальнейшем такой принцип был заимствован американцем Виттнауером (Wittnauer) в аппарате Cine-Twin для пленки 8 мм.

В соединенных Штатах первый проектор, использующий узкий формат пленки был представлен в 1902. Этот домашний проектор использовал карбидную лампу. Назывался он Vitak и использовал пленку 11 мм. Через несколько лет был разработан проектор Иконограф (Ikonograph) для фильмов 17,5 мм с перфорацией в центре.
Спасение фильмов от пожара

Пожар 1897 года в время благотворительной выставки в Париже, уничтожил павильон. Погибли 124 человека. Не удивительно, что немедленно были начаты исследования по замене очень огнеопасной основы кинопленки - нитрата целлюлозы (нитрат целлюлозы составляет основу пороха). В 1908 была разработана негорючая ацетатная пленка. И хотя для любительского кино кинопленка на триацетатной основе стала применяться с того же года, в профессиональном кино она стала равной целлулоиду только в 1950.

В 1912 Эдисон представил безопасную модель домашнего проектора - Кинетоскоп (Kinetoscope). Он также представил новый формат 22 мм. На пленке печатались три колонки кадров: для проекции в прямом-обратном и снова прямом движении. Каждый кадр имел размер 4 на 6 мм. Между колонками кадров - два ряда перфорации. Проектор мог воспроизводить фильмы длиной 10 - 15 м. Эдисон предполагал организовать прокат или продажу фильмов по почте (прототип современных видеотек). Фильмы защищались специальными контейнерами. К сожалению проект Эдисона не нашел промышленного применения.

В 1912 Пате (Pathe) представил безопасный фильм форматом 28 мм. Формат был признан Обществом Киноинженеров (Society of Motion Picture Engineers) как стандартный для портативных проекторов. Во Франции использовалась кинопленка с тремя перфорациями в кадре с левой стороны и одной - справа. Правая боковая перфорация предназначалась для кадровой синхронизации.
Патескоп (Pathescope)

Во время Первой Мировой Войны из Франции в США были ввезены проекторы Виктор (Victor) - безопасные проекторы для домашнего кино. Проекторы использовали кинопленку 28 мм, с тремя перфорациями на обеих сторонах кадра. Партнер Пате - Кок (W.B.Cook) разработал полностью моторизованный проектор - Патескоп (Pathescope). Проектор Пате Кок (Kok) (название соответствовало патентованному логотипу с изображением петуха) был оснащен динамо-машиной. Он мог использоваться в местах где нет электричества - как передвижной. Проектор имел успех. Фильмотека Пате насчитывала 935 фильмов, которые предлагались в аренду для домашнего просмотра.

Первоначально казалось, что формат 28 мм будет принят как стандартный для домашнего кино. Но это оказалось не так. Однако, проекторы Kok являются образцом технологии, в особенности из-за своего внешнего вида, имеющего сходство со старинной швейной машинкой.
Стекло и граммофонная запись

В качестве основы, кроме пленки, эксперименты проводились на целлулоидных и стеклянных пластинках.
# 1890 год. Руж (Rudge) демонстрирует в Фотографическом Обществе проекцию движущихся образов со стеклянных пластин.
# 1892 год. Демени (Demeny) разработал действующую модель прибора, которую назвали Фоноскоп (Phonoscope), с помощью которого проецировалось изображение говорящего человека ( 24 кадра).
# 1898 год. Лео Камм (Leo Kamm) использует круглую стеклянную пластину, шириной 30 cm для нанесения 350 - 550 кадров, которые были записаны по спирали.
# 1904 год. Компания Синефот Хью и Си (Cinephot Huet & Cie) использует магазин с двумя дисками (24 кадра в каждом).
# 1912 год. Французы Оликос (Olikos) применяют прямоугольные пластины 9,5 x 9cm на которых записаны 12 колонок по 7 кадров в каждой.
# 1912 год. Сеул (Le Seul) использует для этих целей стеклянный негатив 9 x 12 cm
# 1915 год Представлен Американский прибор Спирограф (Spirograph). Идея была рождена на основе популярного в то время граммофона. Прибор воспроизводил изображение с целлулоидного диска на котором записано 1200 кадров. Каждый диск имел время воспроизведения около двух минут. Дисковая библиотека с сотнями названий должна была быть общедоступной.
9,5 мм

После 30 лет экспериментов с кинопленкой различного формата, Пате в 1922 году реализовал проект портативного кинопроекционного аппарата, который он назвал Пате Малыш (Pathe Baby). Перфорация на пленке располагается между кадрами. При проекции с пленки 35 мм кадры нанесены в три ряда с перфорацией между кадрами.

Механизм транспортировки фильма был почти идентичен проектору Люмьер 1895 года. Прибор поражал удивительной устойчивостью изображения при мощности проекционной лампы всего 6 ватт. Кассеты с фильмами длиной 10 и 15 метров и пленкой 9,5 мм можно было купить или взять в прокат. Они требовали значительно меньший объем для хранения. В продаже были такие фильмы, как кинохроника, документальные фильмы, комедии и фантастические фильмы. Были даже цветные фильмы, которые производились методом отпечатков по шаблону. Для смены катушек с фильмами был разработан механизм, при котором кадр как бы "замораживался" на несколько секунд. Этот эффект достигался специальными вырезами в пленке, останавливающими протяжку. Стоп-кадр обычно был в момент титра или наплыва.

В 1923 была изготовлена камера с рукояткой. Она стала настолько популярной и дала такой импульс развитию любительского кино, что в мире было продано около 300.000 проекторов Пате Малыш.

В результате последующих разработок размер 9,5 мм не стал популярным в США. В Европе это был популярный формат. Даже в Японии перед Второй Мировой Войной производились камеры Cine Rolla 9,5 мм и проекторы к ним. В 1938 был представлен первый звуковой фильм на пленке 9,5 мм и первый звуковой кинопроектор Пате Вокс (Pathe Vox).

Это может казаться невероятным, но камеры и проекторы для 9,5 мм все еще производятся. Некоторые компании печатают копии для этого формата проекции. В продаже есть также и проявочное оборудование. Существует Международное Общество кинолюбителей 9,5 мм. Ежегодно проводится фестиваль лучших фильмов 9,5 мм.
16 мм

Кодак не мог отстать от Пате в борьбе за первенство и сотрудник Лаборатории Кодак Джон Капстафф (John Capstaff) повел эксперименты с другими форматами. Основной вывод - минимальная ширина пленки при которой качество изображения не ухудшается - 10 мм. Перфорация на обеих сторонах пленки должна быть не менее 3 мм на сторону. Таким образом, минимальная ширина кинопленки - 16 мм. Этот размер был предпочтительней для любительского кино, так как использовать разрезанную вдоль кинопленку 35 мм было невозможно.

В 1923 16 мм формат был введен в обращение. В борьбе за любительский рынок Пате предполагал, что 10 мм формат будет иметь преимущество как более экономичный. Однако, в действительности оказалось, что стоимость 16 мм формата практически была равна стоимости формата 8 мм.

Kodak доказал, что центральная кадровая перфорация является опасной для фильма, так как при неисправности камеры или проектора зубчатый механизм портит изображение.

Качество зерна на пленке 16 мм было лучше. Kodak разработал также технологию обработки 16 мм пленки с обратной экспозицией. В последующие годы была разработана оптическая звуковая дорожка, которая записывалась на одной стороне фильма взамен перфорации. В 1932 году этот стандарт был утвержден Международным обществом Киноинженеров (Society of Motion Picture Engineers - SMPE) как единый.
17,5 мм

Формат, кратный 35 мм всегда был популярен как альтернативный. В 1915 в американских камере и проекторе Синемат (Sinemat) использовался формат 17,5 мм с односторонней перфорацией. В 1917 году была разработана камера и проектор Моветт (Movette) для пленки 17,5 мм с круглой двухсторонней перфорацией. В двадцатых годах Пате, также стал работать над технологией 17,5 мм. Он поставил задачу создать недорогой комплект оборудования для тех мест, где нет стационарных кинотеатров. Оптимальное использование нового формата было получено путем расширения кадра и уменьшения размеров перфорации на обеих сторонах пленки. В 1926 году был выпущен проектор Пате для Деревни (Pathe Rural). В Великобритании в 1932 году производился аналог этого проектора Патескоп (Pathescope) или Рекс (Rex).

В этот период были созданы обширные кинобиблиотеки (или кинотеки) в которых хранилось огромное количество материалов. В 1932 году перфорацию с одной стороны заменила звуковая дорожка - началась эпоха звукового кино. Перед Второй Мировой Войной формат 17,5 мм был настолько популярен, что во Франции работало 4,823 кинотеатров. В Великобритании этот формат использовался вплоть до 1939. Во Франции в первые годы гитлеровской оккупации, фашистская цензура запретила демонстрацию французских фильмов 17,5 мм.

8 мм

В 1930 американец Кодел (Kodel) предложил снизить стоимость производства любительских фильмов на пленке 16 мм. Идея заключалась в съемке 4 кадров в одном кадровом пространстве. Такая камера и проектор получили название Домашнее кино Кемко (Kemco Home Movie). Проектор мог демонстрировать пленки как 16 мм, так и 1/4 16 мм.

Однако в 1932 году Кодак вводит фильм 8 мм, чем наносит смертельный удар по технологии Кодела. а пленке 16 мm была сделана двойная перфорация, что позволило снимать в двух направлениях движения кинопленки. Сначала съемка шла на одной половине фильма. После этого катушка с пленкой переворачивалась и съемка шла на другой половине. После обработки, пленка разрезалась вдоль и получался фильм 8 мм. Проекторы для такой пленки были портативны и быстро завоевали популярность как домашние.

Поскольку процесс смены катушек с фильмом был не очень удобным, некоторые производители начали выпуск пленки 8 мм на катушках (Univex, Bell&Howell), или на кассетах (Agfa). В связи с тем, что различные производители не смогли договориться о едином стандарте пленки, ее популярность была невысока. В конце 1920-х годов Кодак приобретает фирму Пате. Работы над форматами 9,5 мм и 17,5 мм прекращаются.
Супер 8 и Супер 16 мм

Формат 8 мм господствовал на рынке любительского кино вплоть до 1965. Формат кадра (за счет уменьшения размера перфораций) был увеличен на 50 %. Новый формат был назван 8 Супер. В 1973 была разработана кинопленка с магнитной звуковой дорожкой. Fuji попытался воспроизвести кинопленку со звуковой дорожкой на стандартном 8 мм формате, но не смог конкурировать с Кодак. Фильмы, снятые в формате 8 Супер отличает высокое качество изображения и звука, так как пленка движется в фильмовом канале камеры с высокой точностью. Пленка 8 супер вполне конкурентна с форматом 16 мм, который используется для профессионального кино. Особенно в настоящее время после введения супера 16 мм в 1971. Кадр 16 мм расширен за счет пространства, занятого звуковой дорожкой. Этот формат хорошо совместим для монтажа с пленкой 35 мм.
Широкий формат

В 1959 годы Пате работает над очередной идеей и делает попытку создать кинопленку широкого формата. Этот формат стал популярен в кинематографе начиная с 1955. Однако известно, что первые опыты с широкой пленкой были даже в 19 веке. Хронология широкоформатного кино:
# 1900 - 75 мм - первый широкоформатный фильм Люмьер
# 1900 - 70 мм Синерама Рауля Гримон-Самсона (Raoul Grimoin-Sanson)
# 1914 - 70 мм Фильм "Панорама" Фиолетто Альбертини ( Filoteo Alberini)
# 1926 - 63,5 мм Фильм "Природное видение", Студия РКО (R.K.O).
# 1929 - 70 мм Фильм "Великолепие", Студия 20 Век фокс (20-th Century Fox)
# 1930 - 56 мм Магнафильм, Студия Парамаунт (Paramount)
# 1930 - 70 мм Фильм "Реальная жизнь", Метро Голдвин Майер (M.G.M).
# 1930 - 65 мм Витаскоп, Уорнер Брозерс (Warner Bros.)
# 1954 - 65 мм Студия ТОДД АО (Todd-AO)
# 1955 - 55,625 мм Технология Синемаскоп (Cinemascope-55)
# 1956 - 65 мм Технология Супер Панавижн (Супер Panavision).

Фильм студии Тодд ФО "Оклахома" (Oklahoma), снятый в формате 65 мм был переведен на цветной позитив 70 мм.

В семидесятых годх появились технологии Имакс (IMAX, 1970), Омнимакс (OMNIMAX, 1973), Кино 180 (Cinema 180) и другие с горизонтальной позицией проекцией кадров на 65 мм негативе. Были построены специальные кинотеатры для проекции таких фильмов на гигантские экраны. Были созданы специальные проекторы, в которых кинопленка движется не с помощью зубчатого барабана, который захватывает перфорацию, а с помощью воздушной подушки. В таких кинотеатра угол охвата экрана достигает 180 градусов, а высота экрана - 35 метров.